Jason Martin es un artista inglés que practica una pintura matérica con una singular técnica pictórica monocromática con la que consigue crear, sobre diferentes materiales de soporte, reflejos y ondas de luz naturales (efectos ópticos).

Alex Katz - www.alexkatz.com/ - pintor nacido en Nueva York (EE UU) se caracteriza por sus composiciones planas, es conocido por sus siluetas o "cutouts", retratos pintados sobre madera recortada, que lleva realizando desde los años 60.
Desde finales de los años cincuenta se dedica a realizar, esencialmente, retratos. Alex Katz es calificado a veces como artista-pop.

Cy Twombly - www.cytwombly.info/ - (Lexington, EEUU, 1928) es un pintor estadounidense del expresionismo abstracto. Es bien conocido por sus pinturas graffiti de estilo caligráfico de gran tamaño sobre fondos de colores gris, beige o color hueso.

La obra de Twombly se caracteriza por emborronar la frontera entre el dibujo y la pintura...

La riqueza expresiva de Cy Twombly radica en un lenguaje metafórico lleno de símbolos que reflejan temas mitológicos, el paso del tiempo y lugares de interés personal para él. La historia, la poesía, la mitología clásica y el paisaje mediterráneo son algunas de las fuentes de las que bebe el artista para crear sus obras.

Thomas Bayrle (Berlín, 1937), artista alemán del arte pop europeo surgido en la década de los sesenta, en la generación de Sigmar Polke y Gerhard Richter.

Thomas Bayrle ha transitado sus años como artista en la heterodoxia, en el filo de la duda, entrando y saliendo de la práctica artística. Su obra puede leerse como una crítica feroz de la sociedad que vio emerger en su juventud mediante el llamado "milagro alemán"; el sueño del consumo y la masificación. Pero su sentido del humor abre la puerta a múltiples lecturas, incluida la fascinación por el progreso.

En lo formal, la obra de Bayrle es poliédrica; abarca desde las sorprendentes esculturas de autopistas y retorcidas a los delicados dibujos y collages de sus comienzos, pasando por las imágenes desarrolladas por ordenador, que técnicamente no se distinguen en exceso de los grandes murales construidos manualmente con pequeñas piezas...

Takashi Murakami (Tokio, 1962), artista japonés, a medio camino entre la estética occidental y el manga japonés. Murakami se divierte haciendo arte crítico para los mayores con lenguajes de niños. El talento juguetón de su trabajo, invita, sin embargo a la reflexión bajo fórmulas populares.

En palabras del artista:

"Mis obras guardan una crítica a la sociedad japonesa, puesto que la cultura del ordenador nos ha hecho olvidar quiénes somos. Pero, es cierto que me gusta que los niños se acerquen a mis obras. Recuerdo que cuando era pequeño vi un cuadro de Goya, en el que un mosntruo devoraba a una persona, y me horrorizó. Yo no quiero hacer ese tipo de arte"

Web del artista: - www.takashimurakami.com/

Bruce LaBruce, www.brucelabruce.com/ - escritor, realizador cinematográfico y fotógrafo canadiense, afincado en Toronto.

Sus trabajos fotográficos muestran su obsesión por mostrar el cuerpo pornográfico más allá de la idea de la perfección "como si en cada fotografía hubiera algo fuera de lugar: sangre, una cicatriz, un miembro amputado" Motivos que marcan la estética de LaBruce, donde sin embargo, no hay un juego feísta sino una fascianción por la belleza echada a perder. Lo suyo es como una necesidad de "estropear la idea de la perfección de mercado, de provocar cierta incomodidad en el espectador", una desasogante reflexión acerca de la belleza exterior y la fealdad interna que va más allá de los tópicos de almas sucias para exponer las manchas que dejan en cuerpos hermosos desnudos los rastros de sus vísceras y fluidos. "El mundo de la moda está lleno de gente así: bella por fuera y muy sucia por dentro, podrida".

LaBruce también trabaja como fotógrafo de moda y como reconocido cineasta de culto, y sus obsesiones parecen repetirse en una u otra faceta. Cuerpos, por dentro y por fuera. Sexo, sexo explícito, casi siempre gay, que muestra en sus fotografías y en sus películas, con el que intenta dinamitar las esclavitudes del sexo impuesto, del sexo de moda, aquello que nos dice lo que nos puede gustar y lo que no, incluso desde el interior de la propia cultura gay.

Aunque, en estos nuevos tiempos, para Bruce LaBruce, el sexo ha dejado de ser un reclamo comercial tan poderoso para ser sustituido por la muerte. "La muerte vende más que el sexo. La muerte es la nueva pornografía. Damien Hirst y sus calaveras, sus tiburones en formol, son un buen ejemplo. La muerte da dinero".

El artista mallorquín Guillem Nadal pinta cuadros matéricos y gestuales. Cuadros que son puro gesto, pero con un concepto definido antes de ejecutarlos. Son cuadros casi laberínticos en el que se pretende poner de relieve la relación entre el mundo exterior y el individuo.

El colorido está ausente de todas las telas. Todo se condensa en una gama de grises amplia. "Esto es así porque me interesa casi más la expresión en sí que lo que pueda revelar el color por sí solo". Para Nadal, la máxima expresión artística reside en el blanco y en el negro porque en ellos habita la máxima sencillez.

La técnica de las pinturas es mixta. Se trata básicamente de acrílico, látex y pigmento sobre tela y madera.

Rachel Howard - www.rachelhoward.co.uk/ - nace en 1969, Easington, Co.Durham, Reino Unido y es conocida por sus pinturas abstractas que crea, derramando pintura capa sobre capa. La obra creada depende de la gravedad, precisión y oportunidad para determinar la construcción pictórica.

En conjunto, estas pieles de acrílico y pintura al óleo sirven para crear una "arquitectura natural", tanto vertical como horizontal, que aporta una profundidad y luminosidad a estas pinturas a menudo a gran escala.

Howard emplea la misma técnica en sus cuadros figurativos, aunque menos rígida.

Washington Barcala - www.washingtonbarcala.com/ - hijo único de una familia con ascendencia española e italiana, se formó compartiendo juegos y estudios con tareas en la fábrica de cajas de cartón propiedad de sus padres. Allí trabajó con una materia prima que, muchos años más tarde, emplearía en su obra. Barcala se familiarizó entonces con el cartón, con la máquina de coser, y con las cajas, todas palabras clave para entender el mundo creativo de su madurez...

Fue a mediados de los años 60, después de haberse iniciado en el mundo del arte como pintor figurativo y abstracto, cuando comenzó a explorar su lenguaje creativo más personal. En España encontró el lugar y los estímulos propicios para su aventura creativa, contenida en sus cajas, objetos pictóricos construidos con trozos de madera, telas, hilos, cartón, palos, papeles, puntadas..., proponiendo silenciosos y sutiles paisajes emocionales.

Barcala logró una obra personal, coherente y rigurosa, utilizando un lenguaje íntimo y, en ocasiones, hermético. Su producción se ha desarrollado en torno a tres estilos: la pintura figurativa (1946-1950); la pintura abstracta e informalista (1961-1964) – es la etapa de las Chatarras –, y su estilo más personal, durante la última etapa de su carrera artística, desde 1967 (etapa de las Cajas)...

La obra de Washington Barcala aúna el Arte Povera y el Expresionismo abstracto; el ready-made con la tradición pictórica.

Edward Ruscha - www.edruscha.com/ - (1937 Omaha, Nebraska) es un artista estadounidense, claro representante del Pop Art, su técnica es tomada de los profesionales de la publicidad reproduciendo así símbolos y marcas comerciales, que evitan cualquier tipo de gesto pictórico: perfección muy fría que le lleva a introducir en sus lienzos algunas palabras y frases que se mezclan con la imagen siempre con cierta dosis de humor; ejemplo claro de ello es Menta (Doc. Galería Samy Kinge, París, 1968).

Calificado igualmente de artista conceptual, Edward Ruscha publica libros basados en fotografías casi idénticas sin texto, como "6 estaciones de servicio" (1963). En 1963 la Ferus Gallerie de Nueva York, le brinda una exposición individual.

Su trabajo abarca desde la pintura a la fotografía, pasando por el grabado.

Carlos García Alcolea (A Coruña 1949 - Madrid, 1992). Luminaria de fugaz existencia física por su tempranísima muerte, más de perdurable huella por su obra, es conocido internacionalmente por su nombre de pila y su segundo apellido....

...En 1970 pinta Piscina, tema recurrente en su obra. Es lector incansable de monografías de arte. En 1971 realiza en Madrid su primera exposición individual. Hace amistad con Pérez Villalta y otros pintores jóvenes. Trabaja con Juan Manuel Bonet, después director del IVAM de Valencia y del Museo Reina Sofía de Madrid. Participa en diversas muestras colectivas, y a finales de 1974 viaja a Nueva York, donde permanece algún tiempo. A su regreso expone con su colega Carlos France en Madrid...

Alcolea es un artista difícilmente calificable. De raíz expresionista, sintetiza el barroquismo de ese movimiento eminentemente germano en una pintura casi plana, deliberadamente desmañada, cargada de ironía. Cierto geometrismo preside sus composiciones, a veces por completo informalistas y siempre intensamente abstractivas.
Absorbe peculiaridades de múltiples pintores, comenzando por su amigo Gordillo, y al fin hace suyo cuanto coge. No es rara la alusión al "comic". Amplias zonas uniformes, contrastantes, en verdes, azules, amarillos, perfectamente recortadas como si fuera un "collage", aparecen en sus cuadros, con frecuencia de gran formato. Líneas mórbidas, caprichosas, se inscriben en fondos neutros.
Absolutamente anticonvencional, sorprendente, Alcolea es un artista personalísimo, de excepcional apriecio internacional.

Web: www.coleccioncaixanova.com/

Damián Flores Llanos (Acehuche, Cáceres, 1963) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Su primera exposición individual la realiza en Madrid en el año 1992, desde entonces hasta ahora ha realizado más de doce en diferentes puntos de las geografía nacional.

La obra de Damián Flores Llanos incide en la arquitectura junto con el paisaje, buscando siempre una armonía entre la construcción y el paisaje. Se trata de no suplantar la naturaleza.

Web del artista: - www.damianflores.com/

Doug Aitken (Redondo Beach, California, 1968) - www.dougaitkenworkshop.com/

El renombrado artista angelino Doug Aitken ha presentado su videoinstalación The Moment en la Nave 16 de MATADERO MADRID - CENTRO de CREACIÓN CONTEMPORÁNEA, - www.mataderomadrid.com/ficha/340/doug-aitken.html - una obra multicanal, en la que el espectador se sumerge en un ambiente sensorial dentro del paisaje contemporáneo.
Esta instalación multimedia explora la temporalidad, el espacio, la memoria, el movimiento y el paisaje. El espectador se sumerge en un ambiente sensorial que remonta al individuo aislado dentro del marco contemporáneo. A través de los efectos de la imagen y el sonido Aitken lucha con la naturaleza subjetiva de la experiencia del tiempo. La historia, el pasado y el presente son entretejidos y configurados de nuevo en narrativas visualmente complejas.

El trabajo de Aitken ha sido expuesto en museos y galerías por todo el mundo, como es el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y ha sido reconocido por premios internacionales como el de la Biennale di Venezia en 1999.

Miroslaw Balka es un claro exponente de la escultura contemporánea.

Miroslaw Balka nació en 1958 en Otwock, una pequeña población a las afueras de Varsovia (Polonia). Educado en un ambiente católico y, por supuesto, socialista, heredó de sus padres, él era grabador y ella escultora, el interés por el lenguaje escultórico. Balka continuó la tradición pero comenzó a utilizar materiales inéditos en el ámbito familiar como papel, cuero, metal o incluso sal para realizar un tipo de escultura de marcada fragilidad y vulnerabilidad, desarrollando temáticas relacionadas con lo efímero y lo no perdurable...

John Baldessari - www.baldessari.org/ - Nacido en 1931 en National City, California, John Baldessari es sin duda uno de los artistas más influyentes de nuestro tiempo, que ha desafiado las convenciones de las prácticas artísticas haciendo un uso insólito del lenguaje y de las imágenes...

Cindy Sherman - www.cindysherman.com - es una fotógrafa y directora de cine estadounidense.

Cindy Sherman es conocida sobre todo por sus autorretratos conceptuales, "Complete Untitled Film Stills" (1977-1980), en los que cambia su ropa y su aspecto para dar a las fotografías apariencia cinematográfica usando estética y planos propios del cine negro...

Más información en: www.arteytendencias.com/fotografiasdemoda.html

Tracy Emin (1963, Londres) - www.tracey-emin.co.uk/ -, es una artista moderna de renombre que debería haber ganado el Premio Turner 1999, pero que no lo hizo. Tracy Emin crea arte autobiográfico, arte entorno a sí misma.

Sus obras incluyen la famosa tienda de campaña "Everyone I Have Ever Slept With 1963-95" (1995), el libro sobre su infancia "Exploration of the Soul" (1994), el "Tracey Emin Museum in a shop on Waterloo Road" (1995-98) y su "bed, My Bed" (1998).

El exhibicionismo de Emin no es embarazoso, sino provocador y constructivo: plantea la cuestión del significado actual del arte de un modo memorablemente intenso.

Anish Kapoor - www.anishkapoor.com - es uno de los escultores indios más influyentes de su generación. Kapoor ha vivido y trabajado en Londres desde principios de los 70, cuando se mudó a esta ciudad para estudiar arte...

Tras ganar el Turner Prize, representar a Reino Unido en la Bienal de Venecia, exponer en los principales museos del mundo y vender sus obras a precios estratosféricos, al escultor Anish Kapoor (Bombay, 1954) le faltaba muy poco para lograr el pleno de reconocimientos posibles. Pero uno, de tipo simbólico, le seguía haciendo especial ilusión: exponer en París, la ciudad donde debutó a los veintipocos años.

Damien Hirst - www.damienhirst.com - es un artista británico, el más prominente del grupo llamado Young British Artists (jóvenes artistas británicos, o YBAs por sus siglas en inglés). Hirst ha dominado la escena del arte en Inglaterra desde principios de los 90 y es internacionalmente conocido como el artista vivo con la obra mejor pagada.

Jeff Koons - www.jeffkoons.com - Sus obras son una sutil mezcla de kitsch, modernidad y sexo: rompen tabúes, pero no para escandalizar, sino para revelar belleza en esa provocación.

Subodh Gupta, escultor que reside actualmente en Nueva Delhi (India) y es conocido por la incorporación de los objetos cotidianos a sus obras como cajas de Tiffin acero utilizado por millones de personas para llevar el almuerzo, así como sartenes thali, bicicletas y cubos de leche.

Sus esculturas reflexionan sobre la transformación económica de su patria y están relacionadas con la propia vida de Gupta y sus recuerdos. Subodh Gupta transforma los iconos de la vida cotidiana indígena en obras de arte que se pueden leer a nivel mundial...

Vanessa Beecroft (Génova, Italia - 1969) - Desde mediados de los años noventa, Vanessa Beecroft - www.vanessabeecroft.com - hace aparecer en sus acciones a chicas ligeras de ropa; en las performances que organiza Beecroft, se sitúan en una posición prefijada, no hablan, se mueven poco y se exponen - principalmente, durante la inauguración de una exposición - al público, como si fueran obras de arte vivas.

Susan Collins - www.susan-collins.net - es una artista brtánica que trabaja en un territorio híbrido, donde se mezclan imágenes digitales y animaciones, instalaciones interactivas y proyectos de net.art. Sus obras suelen ser site-specific, es decir concebidas especialmente para un cierto evento o espacio, como la instalación robótica interactiva para el Museo de la Ciencia y la Industria de Manchester con la que se dio a conocer.

Sarnath Banerjee - www.sarnathbanerjee.net - (Calcuta, India, 1972) es escritor, dibujante (autor de novela gráfica), ilustrador y director de cine indio.

Saul Steinberg (1913 - 1999), caricaturista e ilustrador estadounidense de origen rumano. Es conocido por sus trabajos para The New Yorker.

Durante los más de 50 años que trabajó con The New Yorker, Steinberg creó cerca de 90 portadas y más de 1.200 dibujos para la revista...

El pintor, grabador y escultor Pablo Palazuelo - www.fundacionpalazuelo.com/, nacido en Madrid en el año 1915. Entre los años 1933 y 1936 vivió en Inglaterra, donde realizó estudios en el Royal Institute of British Architects de Oxford y en la School of Arts and Crafts de Londres. En el año 1936 regresó a España y a partir del año 1940 se dedicó en exclusiva a la pintura: sus primeras obras, influidas por Paul Klee, abocan, a partir del año 1947, a la abstracción...

Su obra escultórica, iniciada en 1954, está en consonancia con su obra pictórica, trasladando a las tres dimensiones sus formas geométricas planas. La escultura ocupará cada vez un lugar más importante en la obra de Palazuelo, sobre todo a partir de los años setenta...

Palazuelo fue una de las figuras clave del arte español de la segunda mitad del siglo XX.

Esteban Vicente - www.museoestebanvicente.es/ - nació en 1903 en Turégano (Segovia). En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando con el propósito de formarse como escultor, pero pronto decidió dedicarse a la pintura.

Su época madrileña está marcada por el contacto y la amistad con escritores y artistas como García Lorca, Juan Ramón Jiménez, Alberti, Luis Buñuel, Juan Bonafé, Bores y el polaco Wladislaw Jahl. Sus presupuestos estéticos le sitúan en el grupo que recibió el calificativo de 'pintores poetas', por cuanto su obra constituía un contrapunto plástico de la poesía de quienes acabarían formando la Generación del 27...

En 1936 viajó a Nueva York, y tras un breve periodo de actividad al servicio de la República, entró de lleno en el mundo plástico de la metrópoli. En 1940 se nacionalizó norteamericano y comenzó una etapa de crisis creativa que desembocaría en su encuentro con el Expresionismo Abstracto. Es en su diálogo con él, a lo largo de dos décadas, como Esteban Vicente consolida un estilo personal e inconfundible, a base de armonías cromáticas vibrantes, sobre estructuras vagamente geométricas o bien evocativas de paisajes interiores. En esos años entabló amistad con los miembros de la Escuela de Nueva York: Rothko, De Kooning, Pollock, Kline y Newman, así como con los críticos Harold Rosenberg y Thomas B. Hess... >>>

Alexander Calder - www.calder.org - escultor estadounidense, conocido como el inventor del móvil o chupin (juguete móvil colgante), que fue un precursor de la escultura cinética. También elaboró obras esculturales inmóviles, conocidas como stabiles.

Aunque los primeros chupines y stabiles de Calder fueron relativamente pequeños, poco a poco Calder fue dirigiéndose hacia la monumentalidad, en sus trabajos posteriores.

El arte de Calder fue reconocido en muchas exhibiciones de gran envergadura...

Olafur Eliasson (Copenhague, 1967) - www.olafureliasson.net - es un artista danés, de padres islandeses. Eliasson estudió en la Real Academia de las Artes de Copenhague y vive actualmente en Berlín.

La obra de Eliasson explora la relación entre naturaleza y tecnología, donde en ocasiones elementos como la temperatura, el olor o el aire se convierten en parte de la escultura (o de sus instalaciones) cuando se representan en un contexto artístico.

Algunos de los elementos fundamentales de la obra de Eliasson son la presentación o imitación de fenómenos naturales en un contexto artístico al mismo tiempo que revela la técnica empleada. A Eliasson no le interesa principalemente la diferencia entre la naturaleza y la máquina, sino la relación consciente del observador con los dos ámbitos.

Gerhard Richter (Dresde, Alemania, 1932) - www.gerhard-richter.com -, artista alemán, uno de los pintores contemporáneos más representativos del siglo XX.

Gerhard Richter es considerado como uno de los artistas más influyentes de nuestro tiempo, sin limitarse a una única disciplina.

La producción artística de Gerhard Richter puede clasificarse en tres categorías: figurativa (todas las pinturas se basan en la fotografía o la naturaleza); constructivista, (trabajo más teórico como las tablas de color, paneles de vidrio y espejos) y abstracta, (casi todo su trabajo realizado desde 1976 excepto los bodegones y paisajes).

Pablo Gargallo - (Maella (Zaragoza), 1881 - Reus (Tarragona), 1934). Escultor y pintor aragonés. Considerado uno de los escultores más importantes e innovadores del siglo XX. Precursor de la escultura en hierro...

A lo largo de su carrera mantuvo simultáneamente dos estilos aparentemente muy distintos: uno clásico, relacionado con el modernismo en sus inicios y con el novecentismo, y un estilo vanguardista en el que experimenta con la desintegración del espacio y las formas y los nuevos materiales.
Gargallo, influido por su amigo Julio González, desarrolló un estilo de escultura basado en la creación de objetos tridimensionales de placas planas de metal, usando también papel y cartón. Algunas de estas esculturas apuntan a un estilo minimalismo. Por ejemplo, muestra solamente la mitad de una cara y puede que sólo tenga un ojo.

Su obra más conocida es su pieza maestra El Profeta, de 1933, que es la culminación de su concepto cubista de escultura del hueco.

- Museo Pablo Gargallo: - www.zaragoza.es/ciudad/museos/es/gargallo

Baltasar Lobo, (Zamora, 1910 - París, 1993), dibujante y escultor español muy conocido por sus composiciones que representan madres e hijos.

Nacido en Cerecinos de Campos, Zamora, España, se trasladó a París, Francia en 1939 donde su escultura tuvo influencias de Constantin Brancusi y Jean Arp. La obra de Baltasar Lobo fue expuesta en la Galerie Vendôme en la Rue de la Paix junto con la de notables artistas como Henri Matisse, Fernand Léger, Maurice Utrillo y Pablo Picasso.

Oscar Domínguez, (Tenerife, España, 1906 - París, Francia, 1957), pintor surrealista español.

De 1929 a 1938 se extiende su etapa propiamente surrealista, centrada en los procedimientos automáticos, en los que destacó como inventor de los procedimientos de calcomanías. En 1935 se incorpora al grupo surrealista, del que será expulsado en 1945 por su apoyo a la postura política de Eluard.

A principios de los años cuarenta atraviesa una etapa influida por De Chirico hasta que el conocimiento profundo de la obra de Picasso, facilitado por la amistad entre ellos, le lleva a una síntesis de imágenes surrealistas de configuración cubista...

Gehard Demetz (Bolzano (Italia), 1972) - Tratando de expresar la dificil relación entre niños y adultos, Gehard Demetz, es un escultor italiano cuyas obras reflejan sobre todo niños de aspecto gélido, que construye con una peculiar técnica escultórica, y cuya intención es sobre todo hacer reflexionar sobre la difícil relación entre los niños y los adultos, marcadas muchas veces por maltratos y abusos...

Descendiente de artistas con la madera, Gehard Demetz trabaja este material de una manera única en la escultura contemporánea, lo que hace que haya mayor interés por sus obras.

Web del artista: - www.geharddemetz.com

Fernando Botero (Medellín, Colombia, 1932) - Pintor, dibujante y escultor colombiano, en el que la monumentalidad, el humor, la ironía y la ingenuidad se combinan con un admirable dominio del oficio y gran talento

Es considerado el artista vivo originario de Latinoamérica más cotizado actualmente en el mundo... Botero emplea la gordura como base de una cariñosa burla para comentar ciertos aspectos de la vida.

Eduardo Arroyo (nació en Madrid, 1937) es un pintor español de estilo figurativo vinculado al pop art. Clave de la nueva figuración española...

Eduardo Arroyo es un artista polifacetico que destaca no solo como gran pintor sino como escritor y decorador teatral, ademas de ceramista y grabador. En su obra utiliza una gran variedad de soportes como el lienzo, la madera o el papel de diferentes tipos.

Rafael Canogar - www.rafaelcanogar.com - nace en Toledo (España) en 1935.

Rafael Canogar es un pintor español, uno de los principales representantes del arte abstracto en España.
Discípulo de Daniel Vázquez Díaz (1948-1953), en sus primeras obras encontró la manera de alcanzar las vanguardias y, muy pronto, estudiar profundamente la abstracción.

En 1957 funda con otros artistas (A. Saura, M. Millares, Luis Feito y Pablo Serrano), así como el crítico José Ayllón el madrileño grupo El Paso. Se ve influido por la Action painting. Defendieron, entre 1957 y 1960, una estética informal (el informalismo) y la apertura de la España franquista a la escena internacional...

Antonio Murado nació en Lugo (Galicia), España en 1964, aunque vive y trabaja en Nueva York.

Antonio Murado es una sensibilidad compleja, introspectiva, identificada con el mundo onírico, capaz de sugerir evocaciones casi inquietantes, con sus figuras o escenas en siluetas por completo neutras, ante un paisaje delicado de intención romántica y referencias concretables en el ámbito de la Galicia rural. A veces acude a inscripciones sobre fondos meramente sugeridos, como si fueran testimonios de denuncia.

Parcela importante de su creación es la escultórica, con objetos-pintura de base estrictamente geométrica, en la que aparecen referencias nunca del todo concretables, o, simplemente, son armazones de lo que constituiría material de desecho, de manera, que lo cotidiano, lo más vulgar, alcanza categoría de expresión plástica, dentro de una calculada, muy meditada sencillez aparente, de resultado, cuando, en realidad, obedece a un complejo proceso creativo...

Anthony Caro - www.anthonycaro.org - Escultor inglés (Gran Bretaña, 1924), cuyas obras, de gran tamaño y fuerza expresiva, constituyen un ejemplo importante del arte minimal y constructivista moderno.

Se formó en la Royal Academy de Londres y fue ayudante de Henry Moore. De gran importancia en el desarrollo de la obra de Caro fue la decisiva influencia del escultor abstracto estadounidense David Smith, cuyo trabajo conoció durante un viaje a Estados Unidos en 1959, a partir del cual abandonó la escultura tradicional en metal fundido para construir obras abstractas a partir de piezas rígidas de metal.

Sus esculturas son, con frecuencia, enormes montajes de grandes planchas de metal, vigas industriales, tuberías o piezas de acero, todo ello soldado. Unas veces permite que las esculturas se oxiden de modo natural y otras las pinta con colores brillantes, como por ejemplo en Mediodía (1960, Colección T. y P. Caro, Londres)...

Adolfo Barnatán - www.adolfobarnatan.es - Pintor y escultor (nació en París en 1953). Cosmopolita y cultivado, el discurso plástico de Adolfo Barnatán afronta el reto de situar la poética de las vanguardias de principios del siglo XX en el entorno actual, donde el objeto escultórico se desliga de sus cualidades matéricas, y su evocación está en el ámbito del consumo.

Ricardo Calero - www.ricardocalero.es - En 1975, Ricardo Calero realiza sus primeras exposiciones, desarrollando obras e instalaciones en un proceso de investigación y formación. En 1982 inicia sus acciones e intervenciones artísticas.

A partir de 1987, incorpora a sus obras elementos naturales, plantas, agua, vapor, esencias olorosas, imágenes o sonidos, expandiendo así los límites de su trabajo escultórico y ampliando las posibilidades de percepción sensitiva de sus obras, que se centran en el espacio, el vacío, los "paisajes" del tiempo, la memoria y la luz en la naturaleza...

Crespo Foix - Con alfileres, vilanos, polen de álamo, tules y lana, el artista manchego Antonio Crespo Foix crea sus esculturas.

Los materiales usados por Crespo Foix son siempre sutiles y naturales como en su escultura "Nube" (2007), realizada con polen de álamo que el propio artista recogió del campo.
Foix es "un escultor que se ve más como un poeta porque su obra es el estudio del vacío". De ahí que "lo más delicado y etéreo", así como la geometría y la influencia de la poesía japonesa, se palpen en toda su obra, que cada vez es más ligera y casi mística...

Daniel Zeller (1965, California, EE UU), pintor y dibujante - Su dibujos evocan mil y una figura, dejando libre la imaginación. Dibujos en papel con formas imprecisas que nos sugieren interesantes imágenes o tal vez tan sólo serie de manchas de colores y remolinos que son igualmente fascinantes, si no más.

Eduardo Stupía, artista argentino (Buenos Aires 1951). Eximio dibujante, trabajador incansable. Los grafismos de Eduardo Stupía van mucho más allá del mero concepto de dibujo ya que su obra posee una impronta pictórica de mucho dinamismo.

Juan Asensio, escultor conquense, apuesta en sus obras por la geometría ligada a la naturaleza.

La idea de pureza en la obra de Juan Asensio rechaza todo lo anecdótico y lo superfluo de los planteamientos estéticos y no sólo se encuentra en sus formas geométricas, sino también en los materiales que utiliza provistos siempre de uniformidad cromática.
Asensio evita el ángulo recto, el cruce de perpendiculares para centrarse en el estudio de la línea curva, cosas que se alzan como paradojas cuya singularidad se encuentra en la síntesis de sus ideas artísticas, a las que vacía de contenido, en un intento de huir de todo proceso de contaminación...

Chiharu Shiota - www.chiharu-shiota.com - artista japonesa de gran fama internacional.

Sus trabajos son conocidos por en enmarañado de lanas que se convierten en una especie de tela de araña que abraza totalmente sus instalaciones. Como si el tiempo hubiera cumplido su misión, como si en ese espacio un día hubiera existido vida, como si la melancolía hubiera robado nuestra alma.
Chiharu Shiota utiliza habitaciones vacías, camas solitarias, pianos quemados, trajes usados y otros objetos que parecen sacados de un pasado lleno de recuerdos tristes...

Sebastian Dacey, artista alemán (nacido en Londres). Estudió en el Wimbledon College of Art, y en la Akademie der Bildenden Künste. Su obra ha sido expuesta en Kunstverein Heilbronn y en Kunstbau Lenbachhaus en Munich, Jacky Strenz, Frankfurt, Galerie Ben Kaufmann, Berlin. Actualmente Sebastian Dacey vive Berlin.

Jessica Stockholder es una de las más importantes creadoras de su generación. Nacida en Seattle en 1959 pero educada en Vancouver, lleva quince años en la élite del arte contemporáneo con un tipo de obra que se apoya en su incuestionable compromiso con el espacio y el color.

Stockholder está especializada en esculturas e instalaciones. Su trabajo se caracteriza por dar otro sentido a los objetos, proporcionándoles un nuevo contexto de manera que tengan vida propia. Jessica Stockholder crea a base de asociaciones, proponiendo una visión más allá de lo que mera visión produce. Lo que hay tras la realidad.

La obra de Stockholder ha sido siempre de marcado carácter monumental aunque también es muy conocida por sus pequeños objetos que surgen del ensamblaje de diversos materiales y formas. Las grandes construcciones que realiza parten de su afán por tomar conciencia del espacio en el que trabaja y de adherirse a él por medio de los materiales que utiliza. A Stockholder le vale cualquier cosa. Desde objetos encontrados en un basurero hasta elementos que podrían encontrarse en el más exclusivo cuarto de estar...

La obra de Stockholder - www.jessicastockholder.coe.uh.edu/ - tiene en el color su referente máximo.

- Alfonso Albacete, Alberto Corazón, Pelayo Ortega, Carlos Franco

Alejandro Corujeira , Sergio Sanz....